Comentarios sobre la actualidad, reflexiones sobre la deriva histórica que nos conduce hacia viejas pesadillas y cualquier otra cosa que considere de interés.
Este video es una pequeña joya, una rareza que no habría sido posible sin la previa existencia de un programa nocturno de la NBC que unía a grandes músicos de jazz y otros no menos grandes de otras áreas -caracterizados ambos por su eclecticismo y su voluntad de exploración- y daba a luz frutos tan singulares como éste.
El título del programa era ‘Night Music’ (enlace en inglés) y fue una de las últimas oportunidades de relieve que la televisión estadounidense le concedió al jazz en su propia desagradecida cuna. En sus dos denominaciones (primero se llamó ‘Sunday Night’) se mantuvo en antena entre 1988 y 1990.
La estupenda reinterpretación de Cave fue posible gracias a la colaboración de lujo del contrabajista Charlie Haden con su Liberation Orchestra y de Toots Thielemans, el músico que le dio a la modesta armónica una dimensión expresiva todavía inigualada.
Tres bellas mujeres francesas y tres raras perlas para un domingo lluvioso de verano (lo es donde yo vivo).
Marie Laforet, actriz y cantante francesa por la que siento confesada debilidad (ver más en La Espiral) siempre ha mostrado inclinación por la canción en castellano, en especial por la nacida al otro lado del Atlántico. Aquí nos regala su versión de “Le tengo rabia al silencio”, de Atahualpa Yupanqui, recitando también los versos en francés para que el público galo entienda la hondura de lo que canta.
Le tengo rabia al silencio Por lo mucho que perdí. Que no se quede callado Quien quiera vivir feliz.
Cuando el amor me hizo señas Todo entero me encendí Y a fuerza de ser callado, Callado me consumí.
'8 femmes' es un delirante y singular film francês de François Ozon que reúne a ocho relevantes actrices en torno a un argumento policiaco. Cada actriz interpreta una canción, lo que, junto con los aspectos cómicos de la historia, convierte la película en inclasificable, pero muy amena en todo caso. Catherine Deneuve interpreta en ella el tema "Toi jamais", procedente del repertorio de Sylvie Vartan y que, de la mano de la actriz, alcanza un notable éxito. Tanto que surge el video en blanco y negro, donde la Deneuve nos muestra una interpretación del tema más sexy que en la película.
La actriz y cantante (también guionista y realizadora) Arielle Dombasle es la rubísima y atractiva esposa de uno de los intelectuales más polémicos y mediáticos de Francia: Bernard-Henry Levy. Nacida en Estados Unidos y criada en la embajada francesa de México, el castellano es su segunda lengua, como demuestra su dicción en este fragmento del film mexicano de Alejandro Pelayo‘Miroslava’, basado en la biografía de Miroslava Stern, mítica actriz de la llamada ‘Época de Oro’ del cine mexicano. Al final del video Arielle Dombasle interpreta ‘Calla, tristeza’.
El tiempo vuela. Por alguna razón pensaba que esta canción, 'Just like a woman', no era tan antigua como es. El vídeo muestra a Bob Dylan en el Concierto por Bangladesh (Madison Square Garden, 1971). Escoltando al recientemente premiado con el Príncipe de Asturias de las Artes están el desaparecido George Harrison, motor de aquella iniciativa humanitaria precursora, y Leon Russell.
Letra traducida:
Nadie siente ningún dolor/ Esta noche mientras permanezco dentro de la lluvia/ Todo el mundo sabe/ Que la niña tiene trapos nuevos/ Pero últimamente veo que sus cintas y su lazos/ Han caído desde sus rizos.
Ella toma como una mujer, sí, lo hace/ Ella hace el amor como una mujer, sí, lo hace/ Y ella duele como una mujer/ Pero rompe como una niña pequeña.
Reina Mary, ella es mi amiga/ Sí, creo que iré a verla otra vez/ Nadie tiene que suponer/ Que la niña no puede ser bendecida/ Hasta que finalmente vea que ella es como todos los demás/ Con su bruma, su anfetamina y sus perlas.
Ella toma…
Estaba lloviendo desde el principio/ Y yo estaba allí muriendo de sed/ Por eso entré aquí/ Y tu prolongada maldición hiere/ Pero lo que es peor/ Es este dolor aquí dentro/ No puedo permanecer aquí/ No tengo claro que…
Yo pueda sólo adaptarme/ Sí, creo que el es momento de abandonar para nosotros/ Cuando nos veamos de nuevo/ Presentados como amigos/ Por favor no digas que me conociste cuando/ Yo tenía hambre y aquello era tu mundo.
Ah, tu finges como una mujer, sí, lo haces/ Tu haces el amor como una mujer, sí, lo haces/ Luego dueles como una mujer/ Pero rompes como una niña pequeña.
Me entero hoy, con tristeza, de que se han roto 'Los Sabandeños', el gran -en tamaño y en calidad- grupo musical canario al que se le quedó pequeño el folklore isleño y el propio archipiélago y adquirió una dimensión internacional reinterpretando viejos éxitos que varias generaciones conocen de memoria.
17 de sus 24 miembros han desertado para fundar un nuevo grupo, 'Atlantes', por divergencias graves con el fundador y director, Elfidio Alonso. No cabe dudar que 'Los Sabandeños' resurgirán, pero quizás habrán perdido una parte esencial de su personalidad con tan importantes ausencias.
La de Elfidio Alonso es una figura señera y respetada en las islas, especialmente por el ‘monumento’ que son 'Los Sabandeños'. Periodista, escritor, compositor, musicólogo, desembocó un día en la política y ha sido diputado regional y alcalde de La Laguna por Coalición Canaria. Y dicen las malas lenguas que previo abandono de sus veleidades izquierdistas e incluso independentistas.
La crisis del grupo, tal como la relatan los disidentes, está relacionada con el ‘autoritarimo’ de Alonso, que impuso sanciones económicas a algunos miembros que se le enfrentaron. El fundador se ha negado a hacer cualquier declaración al diario El Día, del que fue redactor jefe, que publica hoy la noticia.
En el primer vídeo, junto a Alberto Cortez, 'Los Sabandeños' colaboran en la bella canción de éste "Distancia". En el segundo, su tema “Folías de la libertad”, grabado en un directo no muy bueno, ilustra musicalmente la demanda de cierre de la prisión ilegal de la base estadounidense de Guantánamo. Esta es una composición escrita por Elfidio Alonso y musicada por Héctor González, director musical de 'Los Sabandeños' que se encuentra entre los 17 que han abandonado el grupo.
Mercedes Sosa (San Miguel de Tucumán, 1935) es conocida como “La voz de Latinoamérica” y es ese un título ganado a pulso en una larga y coherente carrera, iniciada a los quince años. Especialmente en el subcontinente es vista como una cantante de folklore, pero, al igual que Atahualpa Yupanqui, al que ella ha rendido siempre fecundo tributo, su eco capta la admiración de un público mucho más extenso que el interesado exclusivamente en la expresión popular.
Su voz ha llegado a todos los rincones del mundo no sólo porque es un instrumento amplio y hermoso, sino tambien y sobre todo porque el mensaje que transmite tiene validez universal y se envuelve en una calidad literaria nada común en el folklore. La vida de los humildes y la defensa de la paz, la justicia y los derechos humanos constituyen, junto con el canto al amor, el ‘leit motiv’ de sus canciones.
Las que he seleccionado para este resumido homenaje tienen en común la reivindicación de la libertad y la exaltación de la resistencia. “Como la cigarra” es una poema musicado de la escritora María Helena Walsh. “A Víctor” es un homenaje a Víctor Jara, cuya voz y creatividad fueron brutalmente abortadas por el fascismo pinochetista, obra de Otilio Galíndez y Roberto Todd. “Chacarera del olvidao” es una composición de Duende Garnica. Finalmente, “Corazón Libre” tiene como autor a Rafael Amor, que ha hecho buena parte de su carrera en España enarbolando siempre la bandera de su independencia artística y logrando llegar al público con sus directos en solitario, plenos de fuerza y poesía. El disco de Mercedes Sosa, que lleva precisamente por título el de la canción de Rafael, ha logrado un Grammy del que el cantautor irreductible se siente justamente copartícipe.
Tantas veces me mataron, tantas veces me morí, sin embargo estoy aqui resucitando. Gracias doy a la desgracia y a la mano con puñal porque me mató tan mal, y seguí cantando.
Cantando al sol como la cigarra después de un año bajo la tierra, igual que sobreviviente que vuelve de la guerra.
Tantas veces me borraron, tantas desaparecí, a mi propio entierro fui sola y llorando. Hice un nudo en el pañuelo pero me olvidé después que no era la única vez, y volví cantando.
Tantas veces te mataron, tantas resucitarás, tantas noches pasarás desesperando. A la hora del naufragio y la de la oscuridad alguien te rescatará para ir cantando.
No puede borrarse el canto con sangre del buen cantor después que ha silbado el aire los tonos de su canción.
Los pájaros llevan notas a casa del trovador; tendrán que matar al viento que dice lucha y amor.
Tendrán que callar el río, tendrán que secar el mar que inspiran y dan al hombre motivos para cantar.
No puede borrarse el canto con sangre del buen cantor, tendrán que matar al viento que dice lucha y amor.
Tendrán que callar el río, tendrán que secar el mar que inspiran y dan al hombre motivos para cantar.
Tendrán que parar la lluvia, tendrán que apagar el sol, tendrán que matar el canto para que olviden tu voz.
De tu palo soy, hijo de tu cuero. Soy el olvidao en la alcancía del tiempo, el que se quedó de pie poniéndote el pecho.
Flor obrera soy silvestre de espuma. Cuando el tren se va miro en las vías la luna pensando: tal vez mi pueblo encuentre fortuna.
Mi bofe se hinchó cuando repartieron. De mi no se acuerdan, dicen que nunca me vieron, que no soy de aquí, que ya no tengo remedio.
Soy el olvidao, el mismo que un día se puso de pie tragando tierra y saliva camino hacia el sol, para curar las heridas.
Una herida soy buscando el salario. Maestros de pie cuidando pichones blancos que madurarán iluminando este pago.
Soy el que quedó en medio e'los ranchos, guacho del fiao a un mate y guiso inventado. Hambre y rebelión fueron creciendo en mis manos.
No quiero de más, quiero lo que es mío. Al maso trampeao quiero torcerle un destino. Levántate cagón que aquí canta un argentino.
Te han sitiado, corazón, y esperan tu renuncia. Los únicos vencidos, corazón, son los que no luchan. No los dejes, corazón, que maten la alegría. Remienda con un sueño, corazón, tus alas malheridas.
No te entregues corazón libre, no te entregues. No te entregues corazón libre, no te entregues.
Y recuerda, corazón, la infancia sin fronteras, el tacto de la vida, corazón, carne de primaveras. Se equivocan, corazón, con frágiles cadenas, más viento que raíces corazón, destrózalas y vuela.
No te entregues corazón libre...
No los oigas, corazón, que sus voces no te aturdan. Serás cómplice y esclavo corazón, si es que los escuchas.
No te entregues corazón libre...
Adelante, corazón, sin miedo a la derrota. Durar, no es estar vivo, corazón, vivir es otra cosa.
Tenía ganas de poner esta canción, mireusté. José Feliciano es un genio latino insuficientemente valorado por estas tierras y capaz no sólo de reinterpretar con originalidad y éxito temas de otros autores sino también de escribir grandes canciones, como ‘Rain’. Además, se sale tocando la guitarra.
Y viene a cuento. Llueve. Hace días que llueve aquí o allá, aunque parezca que sólo lo hace en la M-30, que, tras los últimos ‘arreglos’ tiene vocación veneciana. Llueve y la economía española ha crecido algo más de cuatro puntos en el primer trimestre.
Si Aznar siguiera en el Gobierno estaríamos oyendo a todas horas el latiguillo aquel de “Españavabién”. Como no está, le oimos otras cosas, las más de ellas delirantemente chuscas, como esta última perla surgida de las profundidades de su cerebelo: “Cada voto que no vaya al PP será un voto para que ETA esté en las instituciones”.
Sabíamos que siempre nos ha tomado por idiotas (a los ciudadanos, de derecha e izquierda; bueno, a los de derecha más) pero últimamente se pasa siete pueblos en cada tacada. Si no votas al PP, votas a ETA. ¿Se puede manipular de un modo más burdo e indecente? No, al menos en una democracia.
Con Aznar ya no nos queda otro recurso que tomarnos sus salidas de pata de banco por el lado humorístico. Así lo ha visto Toño Fraguas:
Tracy Chapman (1964) no es una desconocida, pero tampoco es una estrella. Y la razón es que no quiere serlo. Intenta ser ella misma, personal y artísticamente, y graba y actúa cuando lo considera oportuno o conveniente, sin rendirse a las presiones de un sistema que exprime (a veces hasta la destrucción) a quienes caen en sus manos.
Su actuación, apenas grabado su primer disco, en la fiesta de celebración del 70 cumpleaños de Nelson Mandela, televisada internacionalmente, la transportó de golpe del anonimato al éxito, a un gran éxito. Un viaje vertiginoso del que Tracy decidió recuperarse no mucho después durante cuatro años de desaparición de la escena.
Así es Tracy Chapman, intima, directa y profundamente honesta. Sus canciones lo dicen inequívocamente en su sencillez y verdad, que lleva hasta la austeridad y la limpia simplicidad de los arreglos que las envuelven. En esta canción, Crossroads (cruce de caminos, encrucijada),expone en gran medida lo esencial de su filosofía.
All you folks think you own my life But you never made any sacrifice Demons they are on my trail I'm standing at the crossroads of the hell I look to the left I look to the right There're hands that grab me on every side
All you folks think I got my price At which I'll sell all that is mine You think money rules when all else fails Go sell your soul and keep your shell I'm trying to protect what I keep inside All the reasons why I live my life
Some say the devil be a mystical thing I say the devil he a walking man He a fool he a liar conjurer and a thief He try to tell you what you want Try to tell you what you need
Standing at the point The road it cross you down What is at your back? Which way do you turn? Who will come to find you first? Your devils or your gods?
All you folks think you run my life Say I should be willing to compromise I say all you demons go back to hell I'll save my soul save myself
Traducción:
Todos vosotros creéis que poseéis mi vida/ Pero nunca hicisteis ningún sacrificio/ Los demonios me persiguen/ Estoy en la encrucijada del infierno/ Miro a la izquierda, miro a la derecha/ Hay manos que me agarran de cada lado.
Todos pensáis que tengo mi precio/ Al que venderé todo lo que es mío/ Pensáis que el dinero manda cuando todo lo demás falla/ Id a vender vuestra alma y quedaros con vuestra cáscara/ Estoy tratando de proteger lo que tengo dentro/ Todas las razones por las que vivo mi vida.
Algunos dicen que el Diablo es una cosa mística/ Yo digo que el Diablo es un caminante/ Un idiota un farsante, un ilusionista un ladrón/ El intenta decirte lo que quieres/ Intenta decirte lo que necesitas.
De pie en el punto/ En que la carretera cruza/ ¿Qué está a tu espalda?/ ¿Qué camino tomas?/ ¿Quién vendrá a tu encuentro primero?/ ¿Tus diablos o tus dioses?
Todos vosotros creéis que dirigís mi vida/ Decís que debería transigir/ Yo os digo a todos vosotros demonios volved al infierno/ Yo salvaré mi alma me salvaré a mi misma.
Jean Ferrat tal vez sea el más desconocido en España de los cantautores mayores (por calidad) de Francia. La razón fundamental de tal desconocimiento -indiferencia aparte- es que durante la fase más activa de su carrera, cuando aún cantaba en directo, coincidió con la dictadura franquista. Sus discos, en tanto que militante confeso y coherente del PCF, estaban prohibidos en nuestro país.
Quizás esa sea la razón de que no exista en el Internet castellano una biografía digna de tal nombre (ver en francés) del cantante y compositor galo, que también tuvo que soportar en su propio país la marginación de la televisión y la radio y cierta carencia de promoción, lo cual no impidió su éxito.
Coetáneo de Jacques Brel, el éxito se le resiste más que al belga, que graba su primer disco en 1953 mientras Ferrat no lo hace hasta 1958. En 1957 Brel alcanza la popularidad con ‘Quand on n’a que l’amour’.Ferrat le sigue en 1960 con ‘Ma môme’. Son, en cualquier caso, dos artistas muy diferentes. Expansivo y algo excesivo Brel, un auténtico ‘animal’ de la escena. Ferrat, contenido e íntimo, no se siente cómodo ante las multitudes ni disfruta la vorágine de las giras, que para Brel son una droga.
Ambos coinciden en su prematura retirada de los escenarios. Brel lo hace en 1967, a los 38 años, tras una gira de despedida interminable e inolvidable, aparentemente movido por el deseo de “no engañar” a su público con canciones interpretadas sin sentimiento a fuerza de ser repetidas. Para Ferrat, el retiro, que lleva a cabo en 1972 trasladando su domicilio a un pequeño pueblo de la Ardéche, obedece a una opción de filosofía vital. Quiere apartarse y vivir su vida personal lejos de los agobios y la expectación de París.
Pero si para Brel, que muere en 1978, la despedida es prácticamente definitiva, no es así para Ferrat, que seguirá componiendo y grabando, aunque de modo cada vez más esporádico, magníficas canciones que son acogidas por un público fiel.
Ferrat es un excelente letrista y compositor, que goza de una voz privilegiada, grave y plena. El conjunto de su obra, regrabada y editada en 1980 en una compilación de doce discos a la que han seguido otras, le muestra inequívocamente como uno de las ‘grandes’ de la canción francesa.
Nuit et brouillard (Noche y niebla, el mismo título de una película de Alain Resnais de 1955), publicada por primera vez en 1963, es, junto con La Montagne, Camarade, Les yeux d’Elsa, Aimer à perdre la raison y tantas otras, una evidencia incontestable de por qué Jean Ferrat debe ser conocido y reconocido.
Ellos eran veinte y cien, ellos eran millares/ Desnudos y delgados, trémulos, en aquellos vagones sellados/ Que desgarraban la noche con sus uñas batientes/ Ellos eran millares, ellos eran veinte y cien.
Se creían hombres, no eran más que números/ Su suerte estaba echada desde hacía mucho tiempo/ Cuando la mano vuelve a caer no queda más que una sombra/ Ellos no debían volver a ver un verano jamás.
La huída monótona y sin prisa por el tiempo/ Sobrevivir aún un día, una hora, obstinadamente/ Cuántos giros de ruedas, paradas y salidas/ Que no acaban de destilar la esperanza.
Se llamaban Jean-Pierre, Natacha o Samuel/ Algunos rezaban a Jesús, Jehová o Visnú/ Otros no rezaban, pero qué importa el cielo/ Querían simplemente no vivir más de rodillas.
No llegaban todos al fin del viaje/ Los que han regresado ¿pueden ser felices?/ Intentan olvidar, sorprendidos de que a su edad/ Las venas de sus brazos se hayan hecho tan azules.
Los alemanes vigilaban de lo alto de las torretas/ La luna se callaba como callabais vosotros/ Mirando a lo lejos, mirando fuera/ Vuestra carne era tierna para sus perros policías.
Me dicen ahora que estas palabras no tienen validez/ Que es mejor no cantar más que canciones de amor/ Que la sangre seca rápidamente al entrar en la historia/ Y que no sirve para nada coger una guitarra.
¿Pero quién tiene talla para poder pararme?/ La sombra se ha hecho humana, hoy es el verano/ Twistearé (*) las palabras si fuera preciso twistearlas/ Para que un día los niños sepan quienes fuisteis.
Erais veinte y cien, vosotros erais millares/ Desnudos y delgados, trémulos, en aquellos vagones sellados/ Que desgarrabais la noche con vuestras uñas batientes/ Erais millares, erais veinte y cien.
(*) La canción fue publicada en 1963, en pleno éxito del efímero ritmo llamado 'twist'.
La respuesta es sí. Las urnas han respondido con elocuencia incuestionable a mi pregunta del pasado día 3: “¿Es Francia conservadora?”. Lo es, la mayoría de sus ciudadanos son de derecha y ello indica -al menos según las más estricta ortodoxia teórica- que tienen mucho más por defender que por conquistar.
Doce años de Chirac no les han bastado. Ahora han elegido el ‘cambio’ de Sarkozy, que lo es de rostro y de generación, pero no tiene fiabilidad alguna en los aspectos más críticos y dolorosos de una república decadente. El cambio que preconiza Sarkozy, si va a haberlo, es un giro hacia una política aún más derechista que la de su predecesor, de cuya gestión es corresponsable el nuevo presidente, en la medida en que ha ocupado las carteras de Finanzas e Interior.
Sarkozy es un neoconservador sin complejos, un pragmático sin prejuicios; un vendedor de aire capaz de ofrecer cualquier cosa según de dónde sople el viento; un ambicioso ególatra que sueña con la presidencia desde su juventud y ha sembrado de traiciones su ascensión.
Eso es lo que han elegido los franceses: un hábil e intrigante ‘aparatchik’ que, como ministro del Interior, ha puesto en evidencia su incompetencia hasta el extremo y que ha echado la culpa a la indulgencia de los jueces de los problemas de orden público en las periferias urbanas, que ni él ni Chirac supieron prevenir ni controlar.
Habrá tiempo sobrado para hablar de este personaje que ahora ofrece “apertura” de cara a la formación del Gobierno.Recordemos mientras tanto a la otra Francia, la del 47 por 100 que no cree ni quiere a Sarkozy. Esa es la Francia que yo amo, la que antepone la esperanza al miedo y lucha por una sociedad mejor para todos. Sin ella Europa es una palabra vacía de sentido.
Canta Juliette Gréco. Concierto en Vienne en 1988.
Cuando cantemos el tiempo de las cerezas/ Y alegre ruiseñor y mirlo burlón/ Estén todos de fiesta/ Las bellas tendrán la locura en la cabeza/ Y los enamorados sol en el corazón./ Cuando cantemos el tiempo de las cerezas/ Silbará mucho mejor el mirlo burlón.
Pero es muy corto el tiempo de las cerezas/ En el que dos se van a arrancarlas soñando/ Pendientes de orejas/ Cerezas de amor de ropas parejas/ Cayendo bajo la hoja como gotas de sangre./ Pero es muy corto el tiempo de las cerezas/ Pendientes de coral que se arrancan soñando.
Cuando estéis en el tiempo de las cerezas/ Si tenéis miedo de las penas de amor/ Evitadlas, bellas./ Yo que no temo las penas crueles/ No viviré sin sufrir un día./ Cuando estéis en el tiempo de las cerezas/ Tendréis también penas de amor.
Yo siempre amaré el tiempo de las cerezas./ Es de ese tiempo del que guardo en el corazón/ Una herida abierta/ Y Dama Fortuna, si me la ofrecieran,/ No sabría nunca calmar mi dolor./ Yo siempre amaré el tiempo de las cerezas/ Y el recuerdo que guardo en el corazón.
Para quienes entran en la danza/ En nombre de la gran esperanza/ Con desprecio de su vida/ Canta, hijo mío./ Para los que luchan por la vida/ Sin otras armas que su vida/ Para que ellos vivan mucho tiempo/ Canta, hijo mío./ Para quienes combaten la noche/ Por el día en que el sol lucirá/ Para todos los hombres/ Canta, hijo mío./ Para quienes mueren en camisa/ Al alba del tiempo de las cerezas/ Bajo los ojos de los fusiles/ Canta, hijo mío.
Hijo mío y tu, el hijo/ Que nacerá de mi hijo/ Mientras que muere la libertad/ Para que la libertad/ Viva en todo el mundo/ Hijo mío, hay que cantar.
Para quienes empujan sin esperanza/ La puerta estrecha de la historia/ En nombre del ideal/ Canta, hijo mío/ Para quienes son arrastrados a la oscuridad/ Sobre el suelo del último corredor/ De las cámaras de tortura/ Canta, hijo mío./ Para los que no verán ya nunca/ El rojo sol de mayo/ En el puerto de El Pireo/ Canta, hijo mío./ Para quienes hasta la muerte/ Tienen la fuerza de vivir todavía/ Para los que van a vivir/ Canta, hijo mío. Hijo mío y tu, el hijo…
Cuando un gran poeta y un compositor no menos grande unen su trabajo no es difícil que nazca, bajo el disfraz banal de una canción popular, una pequeña obra de arte capaz de expresar sentimientos y emociones universales hasta un punto superlativo. Ese es el caso de “Les feuilles mortes”, cuya letra fue escrita por Jacques Prévert y la música, compuesta por Joseph Kosma (biografía en francés). Ambos mantuvieron una fértil colaboración, que en cierta medida recuerda a la que unió a Bertolt Brech y Kurt Weil (biografía en inglés).
Aparecida en 1946, son innumerables las versiones de “Les feuilles mortes” que han visto la luz hasta la fecha. La que aquí suena es la original, de Yves Montand.
Oh! je voudrais tant que tu te souviennes
Des jours heureux où nous étions amis.
En ce temps-là la vie était plus belle,
Et le soleil plus brûlant qu'aujourd'hui.
Les feuilles mortes se ramassent à la pelle.
Tu vois, je n'ai pas oublié...
Les feuilles mortes se ramassent à la pelle,
Les souvenirs et les regrets aussi
Et le vent du nord les emporte
Dans la nuit froide de l'oubli.
Tu vois, je n'ai pas oublié
La chanson que tu me chantais.
C'est une chanson qui nous ressemble.
Toi, tu m'aimais et je t'aimais
Et nous vivions tous deux ensemble,
Toi qui m'aimais, moi qui t'aimais.
Mais la vie sépare ceux qui s'aiment,
Tout doucement, sans faire de bruit
Et la mer efface sur le sable
Les pas des amants désunis.
Traducción:
Oh, quisiera tanto que tu te acordaras/ De los días felices en que éramos amigos/ En aquel tiempo la vida era más bella/ Y el sol más ardiente que hoy/ Las hojas muertas se recogen a paladas/ Tú ves, yo no he olvidado…/ Las hojas muertas se recogen a paladas/ Los recuerdos y los pesares también/ Y el viento del norte los traslada/ Hacia la noche fría del olvido/ Tú ves, yo no he olvidado/ La canción que tu me cantabas.
Es una canción que nos reúne/ Tú, tú me amabas y yo te amaba/ Y nosotros vivíamos juntos/ Tú que me amabas, yo que te amaba/ Pero la vida separa a los que se aman/ Muy suavemente, sin hacer ruido/ Y el mar borra sobre la arena/ Los pasos de los amantes desunidos.
La versión original del poema incluía una tercera estrofa que nadie parece cantar. Incluso muchas versiones se centran exclusivamente en el estribillo (C’est une chanson…), que es la parte más popular de la música. El propio Montand tiene otra versión en esas condiciones. Personalmente lo considero una lamentable mutilación.
Las bellas imágenes otoñales del vídeo son escenas de Québec. La única versión en vídeo que he logrado encontrar interpretada por Yves Montand es la mutilada.
Tras mi comentario sobre el regreso a la actualidad de Edith Piaf, de la mano de la película interpretada por Marion Cotillard y dirigida por Olivier Dahan, he recibido diversas peticiones de información sobre versiones en castellano de sus canciones o de simples traducciones de sus letras.
El mayor número de coincidencias se ha producido precisamente en torno a la canción que da título a la película en su versión internacional: La vie en rose. La versión francesa se titula “La môme” (la chiquilla, o la chavala).
Feliz por tener un motivo para evitar abordar temas de actualidad aquí tratados numerosas veces (las insidias permanentes del PP sobre el Gobierno y ETA, ahora a cuenta de las salidas de De Juana; la masacre no menos permanente en Irak, etc.) aquí está, en parte, lo solicitado.
La canción fue compuesta en 1945. La propia Edith Piaf es autora de la letra, probablemente inspirada en Yves Montand, que era su amante en aquella época. La música es de Louis Guglielmi (Louisguy).
Des yeux qui font baisser les miens Un rire qui se perd sur sa bouche Voilà le portrait sans retouche De l'homme auquel j'appartiens
Quand il me prend dans ses bras, Il me parle tout bas Je vois la vie en rose, Il me dit des mots d'amour Des mots de tous les jours, Et ça m'fait quelque chose Il est entré dans mon cœur, Une part de bonheur Dont je connais la cause, C'est lui pour moi, Moi pour lui dans la vie Il me l'a dit, l'a juré Pour la vie Et dès que je l'aperçois Alors je sens en moi Mon cœur qui bat
Des nuits d'amour à plus finir Un grand bonheur qui prend sa place Des ennuis, des chagrins s'effacent Heureux, heureux à en mourir
Quand il me prend dans ses bras...
Ojos que que hacen bajar los míos/ Una risa que se pierde en su boca/ He ahí el retrato sin retoque/ Del hombre al cual pertenezco.
Cuando me toma en sus brazos/ El me habla muy bajo/ Yo veo la vida en rosa/ Él me dice palabras de amor/ Palabras de todos los días/ Y me hace sentir algo/ Ha entrado en mi corazón/ Una parte de felicidad/ De la que sé la causa/ Es él para mi/ Yo para él en la vida/ Él me lo ha dicho, lo ha jurado/ Por la vida/ Y desde que le veo/ Entonces siento en mi/ Mi corazón que late.
Noches de amor a no acabar/ Un gran placer que toma su sitio/ Los hastíos, las tristezas desaparecen/ Feliz, feliz hasta morir.
Está en marcha, de la mano del cine, el regreso de Edith Piaf(*) al conocimiento y reconocimiento popular. La película “La Môme” (Parece que “La vie en rose” será definitivamente el título internacional), dirigida por Olivier Dahan e interpretada por Marion Cotillard en el papel principal, reconstruye la vida apasionada y apasionante, desgraciada y gozosa de quien fue la mayor estrella de la canción francesa.
Edith Giovanna Gassion (19 de diciembre 1915 - 10 de octubre 1963), hija de un modesto artista de circo y de una cantante callejera de origen italoargelino, fue abandonada por su madre tras su nacimiento, entregada a su abuela materna primero, en París, y recuperada brevemente por su padre, que la puso finalmente en manos de su propia madre, que regentaba un prostíbulo en Normandía. Es difícil imaginar una infancia más anómala y accidentada.
Tras abandonar el circo itinerante, su padre la recupera y la traslada a París, donde ambos actúan en la calle. Allí la descubre en 1935 el propietario de un cabaret de los Campos Eliseos, vinculado al crimen organizado, que la presenta como «La Môme Piaf» (La chiquilla -o chavala- gorrión). Cuando su protector aparece asesinado en su casa la carrera artística de Piaf se interrumpe abruptamente, pero nadie que haya escuchando su voz puede olvidarla y en 1936 graba su primer disco.
Si la película se centrase exclusivamente en la infancia y adolescencia de Edith habría, como se ve, argumento más que suficiente, pero «La vie en rose» recorre toda la agitada vida de la estrella, cuya carrera de éxitos es acompañada por una sucesión de amores. El más desgraciado de ellos, con el campeón mundial de los pesos medios, Marcel Cerdan, cuya muerte en accidente aéreo sumerge a la cantante en la depresión, el alcohol –que ya le acompañaba habitualmente-y la morfina. Claude Lelouch dedicó una película a esta relación.
Piaf, sin embargo, tiene deseos de vivir, de amar y de entregarse a un público que le adora. El inconfundible vibrato de su voz, su portamento extraordinario, su emoción y desgarro, conmueven a cuantos la escuchan, especialmente en directo. Es una experiencia inolvidable.
Piaf es la canción francesa. Y no sólo por su arte, sino también por su labor de promoción de otros : compositores, cantantes, letristas… De su mano iniciaron el camino, entre los más relevantes, Yves Montand, Charles Aznavour, o Georges Moustaki (autor de la letra de «Milord»), junto al cual sufre en 1958 un grave accidente de coche que le devolverá a la morfina.
Con poco más de 40 años, la decadencia física de la Piaf se hace terriblemente ostensible. Cuando murió, a los 48 años, parecía una anciana de 70. Demasiada pasión, demasiada intensidad, demasiado amor, demasiado dolor. Demasiado.
Ahora, el filme de Dahan y la magnífica interpretación de Marion Cotillard nos traen el recuerdo de aquella mujer de 1,47 de altura, flaca, poco agraciada, desgraciada hasta un punto que sólo ella conocía y que cantó como sólo puede hacerse cuando amor y dolor, desesperación y esperanza se funden hasta lo superlativo.
Non, rien de rien, uno de sus últimos éxitos, fue tomada en su día como un balance y autoafirmación de la gran artista. En video, su interpretación y la recreación que Cotillard hace en el filme.
Traducción de Non, rien de rien :
No, nada de nada/ No, yo no lamento nada/ Ni el bien que se me ha hecho/ Ni el mal, todo eso me es completamente igual./ No, nada de nada/ No, yo no lamento nada./ Está pagado, barrido, olvidado./ Yo paso del pasado.
Con mis recuerdos/ He encendido el fuego/ Mis pesares, mis placeres…/ Ya no tengo necesidad de ellos./ Barridos los amores,/ Y todos sus trémolos/ Barridos para siempre/ Vuelvo a partir de cero.
No, nada de nada/ No, yo no lamento nada/ Ni el bien que se me ha hecho/ Ni el mal, todo eso me es completamente igual. /No, nada de nada/ No, yo no lamento nada./ Porque mi vida, porque mis alegrías/ Hoy comienzan contigo.
(*) Hay algunas incorrecciones y errores en este enlace, pero es el más completo en castellano.
De madrugada han llamado, están en el rellano de la escalera. Cuando la madre les abre lleva puesta la bata.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
«¿Su hijo se encuentra aquí?» «Está en su habitación durmiendo. ¿Qué desean de mi hijo?» El hijo se espabilaba.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
La madre sabe bien poco de todas las esperanzas de su hijo estudiante, que tan comprometido estaba.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
Hace días que habla poco. cada noche se agitaba y un temblor le recorría temiendo una llamada al alba.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
Aún sin despertar del todo ya oye clara la llamada y de un vuelo al asfalto, se tira por la ventana.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
Los que llaman enmudecen, menos uno, quizás quien manda, que se asoma a la ventana mientras la madre gritaba.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
De madrugada han llamado, la ley su hora señala. el estudiante está muerto, muerto de una llamada al alba.
«¿Qué es lo que quiere esta gente que llama de madrugada?»
Escuché por primera vez esta canción en boca de Elisa Serna y durante años pensé que era suya. La realidad es que el original es catalán, que el autor de la letra fue Lluis Serrahima y María del Mar Bonet puso la música y la primera interpretación.
La canción, que evoca la muerte en enero de 1969 del joven estudiante Enrique Ruano, miembro del Frente de Liberación Popular, cuando se hallaba detenido por la Brigada Político-Social franquista por repartir propaganda, no describe la realidad de los hechos, que nunca llegó a ser esclarecida. Los tres comisarios -inspectores cuando se desarrollaron los hechos- que fueron juzgados en 1997 resultaron absueltos por falta de pruebas.
La tesis oficial sostiene que Ruano se suicidó cuando estaba detenido. Su familia asegura que murió de un disparo cuando se hallaba sentado y esposado. Parte del hueso de una clavícula que probaría la existencia del disparo había sido serrada y nunca apareció.
Cada vez que escucho la canción siento un escalofrío y esta versión de Maria del Mar junto a Quilapayún, cuyos miembros tanto saben de la represión y la persecución política, le añade un componente emocional superlativo.
Miro el instante que ha fijado la fotografía, ríes con la timidez de quien le avergüenza la risa.
Quince años que sujeto entre mis brazos al compás del último disco robado. Nada queda en ese trozo de papel, todo es alquimia; veo que es la prueba más veraz de que todo es mentira. Esos rostros ya no llevan nuestros nombres, son dos máscaras perdidas en la noche,
pero, queda la música...
Siento que ese tiempo que se fue no ha sido nunca nuestro, como cuando te miro y no logro recordar tu cuerpo.
No eras tú aquella insolencia de latido que encendía mis deseos más prohibidos. Creo que tú y yo no somos más que dos desconocidos, otros, dos extraños que en el tiempo se han hecho asesinos de esos dos niños de la fotografía que, abrazados, van bailando por la vida,
Un poco de música para relajarse frente a tanta gratuita crispación.
Hubo un tiempo en el que Joaquín Sabina tenía una voz limpia. Hubo un tiempo en el que compuso esta hermosa canción sobre la soledad y el fracaso:
En la posada del fracaso donde no hay consuelo ni ascensor, el desamparo y la humedad comparten colchón. Y cuando por la calle pasa la vida como un huracán, el hombre del traje gris saca un sucio calendario del bolsillo y grita: "¿Quien me ha robado el mes de abril? Pero, ¿cómo pudo sucederme a mí? ¿Quién me ha robado el mes de abril? Lo guardaba en el cajón donde guardo el corazón."
La chica de BUP casi todas las asignaturas suspendió el curso que preñada aquel chaval la dejó. Y cuando en la pizarra pasa lista el profe de latín, lágrimas de desamor ruedan por la página de un bloc y en él escribe: "¿Quién me ha robado el mes de abril? ¿Cómo pudo sucederme a mí? Pero, ¿Qúién me ha robado el mes de abril? Lo guardaba en el cajón donde guardo el corazón."
El marido de mi madre en el último tren se largó con una peluquera veinte años menor. Y cuando exhiben esas risas de Instamatic en París, derrotada en el sillón, se marchita viendo Falcon Crest mi vieja y piensa: "¿Quién me ha robado el mes de abril? ¿Cómo pudo sucederme a mí? Pero, ¿Quién me ha robado el mes de abril? Lo guardaba en el cajón donde guardo el corazón..."
No te dejes robar el mes de abril. Ni ningún otro. Ni nada.
No vale nada la vida, la vida no vale nada. Comienza siempre llorando y así llorando se acaba. (De “Camino de Guanajuato”)
Las canciones de José Alfredo Jiménez (1923-1973) están llenas de alcohol, amores, desamores, rencores amorosos… Están llenas de su vida, de su verdad. Bebedor implacable, enamoradizo sistemático, polígamo impune, sus versos sencillos y sentidos nacían siempre de sus experiencias y vivencias. Algunos de los que le conocían sabían asociar una canción determinada con una mujer concreta y con una concreta circunstancia de su relación.
Tal vez porque están preñadas de sinceridad, muchas de sus canciones le han sobrevivido en la voz de muy diversos intérpretes y forman parte esencial del patrimonio de la música popular de México. Hoy es un cantante y autor de culto dentro y fuera de su país y se ha convertido, por excelencia, en la voz de México.
Nota: El video que aquí figuraba anteriormente ha sido retirado por Youtube en consideración a lo que se denomina "violación de las condiciones de uso", lo que quiere decir que quien detenta los derechos ha exigido su retirada. Quizás algún día entenderán todos esos avariciosos que nadie obtiene lucro alguno con estos pequeños videos que carecen de la suficiente calidad de imagen y de sonido y, sin embargo, contribuyen a mantener viva y a extender la memoria de ciertos artistas que seguramente no tendrían nada que objetar a su uso.
Mientras tanto, nos veremos forzados a hacer lo que yo hago hoy: elegir otro video. En este caso, con ventaja: dos canciones por el precio de una, correspondientes a la actuación de Aznavour en el Palacio de Congeso de París en el año 2000. En la primera de ellas utiliza el lenguaje de los sordomudos para acompañar su canto.
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A punto de cumplir 83 años, Charles Aznavour (N. 22 de mayo de 1924) dice adiós a la escena. Así lo admite, sin especial énfasis ni convicción, en la entrevista a página completa que le dedicó Le Monde el pasado día 20.
“Aznavour, el más grande de los crooners”, titula el diario, introduciendo al cantante-compositor en un palmarés en el que figuran como principales estrellas Frank Sinatra o Bing Crosby, pese a que ambos rechazaban ser clasificados en esa categoría (cantante romántico o sentimental). Aznavour es, en efecto, en mayor medida que ellos el crooner por excelencia. Centenares de canciones de amor, nostalgias y lamentos así lo atestiguan.
Shahnour Varinag Aznavourian, devenido Charles Aznavour por razones obvias de comercialidad, nació en París, hijo de artistas de origen armenio escapados de las masacres de las que su pueblo era víctima a manos de los turcos. La suerte le visitó cuando conoció a la impar Edith Piaf, figura crucial para tantos artistas (Yves Montand y Georges Moustaki entre ellos), quien tras oirle cantar se lo llevó de gira a Estados Unidos.
Piaf fue, junto a Maurice Chevalier y Charles Trenet, una de las grandes influencias artísticas para el pequeño Aznavour; pequeño de talla (el sarcástico Jacques Brel decía que era el único hombre del mundo que podía ponerse completamente de pie dentro de su limusina), que no de genio ni de personalidad.
Es sin duda el cantante y compositor francés que mayor éxito internacional ha alcanzado. Y no es ajeno a ello el hecho de que es capaz de cantar de modo perfectamente inteligible en seis idiomas (francés, inglés, español, italiano, ruso y alemán) y que ha grabado en todos esos idiomas. Pero la clave de su éxito extraordinario, por el que nadie habría apostado en base a su aspecto y a su voz velada y discreta, es su capacidad para crear melodías y letras que llegan al corazón y se pegan al oído.
Tal vez su sentimentalidad no es demasiado apreciada en estos tiempos, pero muchas de sus canciones quedarán en el recuerdo de varias generaciones en buena parte del mundo y algunas de ellas se han convertido en estándares (Venecia sin ti, La Bohéme, Formi formidable, Et pourtant…) que volverán una y otra vez a nosotros a lo largo de los años en otras voces.
Su último disco, ‘Colore ma vie’ (Colorea mi vida), que ve la luz precisamente en estos días, tiene inspiración latina y cuenta con la señalada colaboración del pianista cubano Chucho Valdés, referente ineludible del latin-jazz.
Curiosa evolución la del último Aznavour, que grabó en Cuba durante casi un mes. No sólo hay en su disco un nuevo estilo, sino también una toma de conciencia en temas ecológicos o políticos que hasta ahora le eran casi totalmente ajenos.
Lluis Llach (Gerona, 1948) está -si cumple su palabra, que ojalá no- a punto de retirarse, pero antes de hacerlo ha tenido oportunidad de hacer un ajuste de cuentas con el oscuro pasado del que todos venimos, incluso quienes nacieron después de 1975.
En 1974 publica su disco “I si canto trist”, cuyo tema central, el que le da título, está secretamente dedicado a Salvador Puig Antich, joven anarquista catalán ejecutado por el régimen fascista, condenado a muerte por un tribunal militar ansioso de venganza tras el asesinato de Carrero Blanco por ETA.
La canción de Llach se ha integrado en la banda sonora de la película ‘Salvador', centrada en aquel caso, y el vídeo corresponde a la Gala de Amnistía Internacional que fue transmitida por La Sexta el pasado doce de diciembre de 2006. Estremecedora canción.
Letra en castellano de “I si canto trist”:
Yo no amo el miedo, ni lo quiero para el mañana, no lo quiero para hoy, ni tampoco como recuerdo; me gusta la sonrisa de un niño junto al mar y sus ojos como un ramo de ilusiones estallando.
Y si canto triste es porque no puedo borrar el miedo de mis pobres ojos.
Yo no amo la muerte ni su paso tan helado, no la quiero para hoy, ni tampoco como recuerdo; que me gusta el latir de ese corazón que, luchando, da vida a la muerte a la que lo han condenado.
Y si canto triste es porque no puedo borrar el miedo de mis pobres ojos.
Yo no amo mi canto, porque sé que han callado tantas bocas, tantos clamores, diciendo la verdad; que yo amo el canto de la gente de la calle con la fuerza de las palabras enraizadas en la razón.
Y si canto triste es porque no puedo borrar el miedo de mis pobres ojos.
Las Dixie Chicks han hecho una prolongada y desagradable travesía del desierto hasta lograr los cinco premios Grammy con que, en cierta manera, la Academia de Artes y Ciencias Discográficas intenta desagraviar al grupo femenino texano por el boicot al que se le sometió tras aludir en términos despectivos al presidente Bush.
Sucedió en 2003, en vísperas de la invasión de Irak, durante una actuación en Londres. La efervescencia contra la guerra que el grupo había constatado en Europa llevó a la cantante solista, Natalia Maines a dirigirse al público para expresar su vergüenza por el hecho de que el presidente de Estados Unidos fuera, como ellas, de Texas.
La inflación de fanático patrioterismo que respondió en Estados Unidos a tales declaraciones fue de una desproporción inédita. Las canciones del grupo fueron prohibidas en numerosas emisoras e incluso se registró el despido de algunos disc jockeys que ignoraron las consignas. Ríos de tinta sectaria corrieron para ‘crucificar’ a las réprobas y, en el río revuelto del oportunismo, incluso se realizó un documental titulado Dixie Chics shut up and sing (Dixie Chics callaos y cantad) al que alguna crítica cinematográfica sicaria llegó a premiar. Ni siquiera faltaron amenazas de muerte.
Su revancha en los Grammy, con los cinco galardones para su disco ‘Taking the long way’ (Tomando el camino largo), se expresa en la canción premiada por la Mejor Interpretación Vocal: ‘Not ready to make nice’ (No estoy lista para hacerme agradable):
Forgive, sounds good. Forget, I'm not sure I could. They say time heals everything, But I'm still waiting
I'm through, with doubt, There's nothing left for me to figure out, I've paid a price, and i'll keep paying
I'm not ready to make nice, I'm not ready to back down, I'm still mad as hell And I don't have time To go round and round and round It's too late to make it right I probably wouldn't if I could Cause I'm mad as hell Can't bring myself to do what it is You think I should
I know you said Why can't you just get over it, It turned my whole world around and i kind of like it
I made by bed, and I sleep like a baby, With no regrets and I don't mind saying, It's a sad sad story That a mother will teach her daughter that she ought to hate a perfect stranger. And how in the world Can the words that I said Send somebody so over the edge That they'd write me a letter Saying that I better shut up and sing Or my life will be over
Maxime Le Forestier es un cantautor francés de la generación inmediatamente posterior a la de los 'clásicos' (la triada Brel, Brassens, Ferré) y, lógicamente, se le nota. Aunque su vocación nace del deslumbramiento por el segundo de los 'grandes', al que rinde periódicamente homenaje, ya se detecta en su estilo el 'contagio' de la música anglosajona, que empieza a imponerse en Francia a partir de mediados los 60.
En su caso esa influencia es más comprensible que en la mayoría, ya que Maxime nace en una familia anglófona. Su padre es inglés, aunque de origen normando, y su madre dominaba esa lengua igualmente.
Estamos ante una de las figuras más queridas y admiradas de la canción de autor francófona. Sencillo, humano, humanista y contestatario, Le Forestier nunca defrauda y ha sabido lograr que varias generaciones sigan y degusten su creaciones.
En esta canción -tal vez su mayor éxito- evoca las vivencias de su estancia en San Francisco, a donde se trasladó en 1970 para disfrutar de la bohemia hippy que desde la ciudad californiana extendió a todo el mundo su filosofía idealista, su utopía libertaria nimbada de hedonismo y trufada con las alucinaciones coloristas del LSD.
Por cierto (casi lo olvido), Maxime Le Forestier ha cumplido hoy 58 años. Y en plena forma. Felicidades.
